Arte del Rinascimento

Quentin Massys


Il pittore fiammingo Quentin Massys, scritto anche Matsys, Metsys o Messys, nasce a Leuven, Belgio, intorno al 1465.

Si può considerare come il più importante pittore della scuola di Anversa.

La sua prima formazione avviene come fabbro nella sua nativa Leuven. Si dice che si sia dedicato alla pittura dopo essersi innamorato della figlia di un artista.

Nel 1491 si reca ad Anversa dove è ammesso alla corporazione dei pittori.

Nel 1507/1509 realizza le sue due celebri pale d'altare, un trittico di grandi dimensioni, Sant' Anna, commissionata per la Chiesa di Saint-Pieter di Leuven e la Deposizione del Signore, opere che rappresentano un forte sentimento religioso e mostrano una grande precisione per il dettaglio.
I suoi paesaggi ricordano quelli del suo contemporaneo collega fiammingo Joachim Patinir.
La sua non è una pittura unicamente religiosa, infatti realizza anche diversi ritratti, compreso quello del suo amico Erasmo.
Anche se la sua ritrattistica è più soggettiva e personale di quella di Albrecht Dürer e Hans Holbein, la pittura di Massys è comunque molto influenzata dal lavoro di entrambi.

Infatti, il "St. Girolamo nello studio" di Massys è in debito con quello di Dürer.

L'artista fiammingo continua la tradizione dei grandi maestri dell'arte dei Paesi Bassi del 15° secolo, con una grande attenzione verso l' arte italiana (in particolare verso l'opera di Leonardo).
Non ci sono pertanto soltanto influenze delle opere tedesche nella pittura di Massys.

Si ritrovano anche delle similitudini con l'arte proprio di Leonardo, ad esempio nella "Vergine e il Bambino" le figure sono copiate dalla Vergine delle Rocce del Da Vinci.

Nel suo bellissimo dipinto "Madonna con Bambino e Angeli" del 1505 il tipo iconografico della Vergine in piedi risale a Jan van Eyck, ma i putti con la loro ghirlanda rivelano l'influenza del Rinascimento.

A Massys piace dipingere le lacrime, le disegna come grandi perle sugli occhi oppure sulle guance rosse delle sue sante donne, come nel suo meraviglioso "Maddalena" o la sua "Pietà".

Realizza anche quadri con scene di vita quotidiana, rappresentando in modo quasi satirico banchieri, esattori delle tasse ed avari mercanti, soggetti che ricordano gli scritti del grande umanista Erasmo.

Certamente i due si conoscono nel 1517 tanto che Massys dipinge un paio di ritratti di Erasmo e il suo amico Petrus Aegidius.

Massys ha due figli, entrambi artisti.
Jan (1509-1575), diverrà un maestro nella gilda di Anversa nel 1531 e sarà bandito nel 1543 per le sue opinioni eretiche. Le sue prime opere sono una chiara imitazione delle opere del padre.
L'altro figlio, Cornelis (1513-1579), diventa un maestro pittore nel 1531, dipingendo paesaggi del padre e utilizzando il suo stesso stile nell'esecuzione delle incisioni.


L'opera di Massys è fondamentale per lo sviluppo del primo manierismo fiammingo ed avrà una determinante influenza in Spagna e Portogallo, Paesi dai quali l'artista ricevette numerose commissioni.

PIETER BRUEGEL

Bruegel Pieter il Vecchio (Brabante 1525-30 - Bruxelles 1569)

Pittore, disegnatore e incisore, il più grande artista della prima metà del Cinquecento nel nord Europa.

La documentazione circa la sua carriera è piuttosto scarsa, ciò che si sa è soprattutto grazie alla biografia estremamente elogiativa di Karel Van Mander, pubblicata nel 1604.

Nel 1551 fu iscritto nella gilda dei pittori di Anversa e cominciò a lavorare per il mercante di stampe Pieter Coecke van Aelst, anch’egli pittore, architetto, disegnatore di arazzi, e sopratutto persona molto colta, che si cimentò anche in traduzioni di testi di Vitruvio e di Sebastiano Serlio

Nel 1552 intraprese un viaggio in Francia e in Italia, soggiornò a Roma e si spinse fino in Sicilia.

La critica sottolinea la provenienza di Bruegel il Vecchio dallo studio di di Hieronymus Bosch e dalla sua fedeltà all'antica Scuola Fiamminga.

In effetti Bruegel attraversa varie fasi artistiche nel corso della sua vita, la prima si fonda sulla realizzazione di opere stilisticamente molto vicine a quelle del pittore fiammingo Hieronymus Bosh, per passare poi dalla realizzazione di paesaggi fantastici a quelli reali, e ciò in occasione del suo viaggio in Italia.

Dipinto di Pieter Bruegel
L'esperienza dell'attraversamento delle Alpi colpisce Bruegel molto più di qualsiasi opera artistica, "inghiottì tutte le montagne e le rocce e al suo ritorno le risputò fuori sulle tele e sulle tavole".

Il risultato è la serie di stampe oggi note come i Grandi paesaggi (1555-58), dodici spettacolari vedute di montagna.

Questa particolare fascinazione toccò anche l’animo di un’altro grande artista Albrecht Dürer quando vide le alpi.

Dopo aver sposato Mayeken Coecke, la figlia del suo maestro d’arte Coecke, Bruegel si stabilisce a Bruxelles, dove, dopo alcuni viaggi,riprende a dipingere, focalizzando la sua attenzione pittorica sul uomo ed sulla natura, nella nuova contrapposizione al manierismo dei maestri italiani, che predominava allora nei Paesi Bassi.

Proprio in quegli anni, ossia nel 1563, il pittore, ormai molto conosciuto, realizza una delle sue opere più splendide e famose: La Torre di Babele.

Nel 1564 nasce Pietre, il suo primogenito, anche lui destinato a diventare artista.

Il periodo compreso tra il 1565 ed il 1568 fu abbastanza prolifico per la produzione pittorica dell’artista, con la realizzazione di grandissime opere quali: la serie dedicata ai Mesi, Il paese della cuccagna ed il Banchetto nuziale.
Disegno di Pieter Bruegel
Nel 1568 nasce il secondogenito Jan, che sarà noto come "Jan Velvet", Jan dei velluti per la sua abilità a dipingere i tessuti.

Bruegel ci ha lasciato circa una settantina di opere pittoriche, malgrado la sua attività si sia svolta nel corso di una vita relativamente breve.

Sul ricordo di Bosch, Bruegel illustrò soggetti fantastici e personaggi tratti dalla Bibbia e dal Vangelo visti da un'ottica laica e talvolta mostrati con impietosa crudezza, utilizzando con forza i colori, le luci e le ombre e si segnalò per la capacità di disegnare rendendo con essenzialità ed efficacia le pose, i movimenti e le fisionomie.

Da ricordare la Tempesta raffigurante una mostruosa balena, simbolo della forza distruttiva della natura, i Cacciatori nella neve e la Mietitura, soggetti situati in immensi paesaggi dall'atmosfera vibrante.

I posteri hanno chiamato il pittore Pieter Bruegel il Vecchio per distinguerlo da Pieter Bruegel il Giovane, suo figlio primogenito, mentre invece il suo secondo figlio fu Jan Bruegel il Vecchio o "Jan Velvet", anch’egli pittore ed entrambi i figli scrivevano il loro cognome come 'Brueghel', reinserendo la lettera 'h' che il padre aveva eliminato (per ragioni sconosciute) nel 1559.

Il maestro morì nel 1569; la salma fu inumata nella chiesa di Notre-Dame de la Chapelle, a Bruxelles, città dove visse per quasi tutta la sua vita, ma i due figli erano ancora bambini alla sua morte e quindi non poterono esserne allievi7MUSE

François Clouet

Francois Clouet, pittore ritrattista e miniaturista francese, nasce (probabilmente) a Tours, un comune della Francia centro-occidentale, fra il 1510 ed il 1515.

Seguendo le orme di suo padre Jean Clouet (1480-1541) e dello zio Clouet de Navarra, imparò l'arte del ritratto, anche se solo uno di questi è stato da lui firmato, sembra che altri 50 siano di sua mano.

Come suo padre lavorò per la monarchia francese, con la carica di Palafreniere della Camera, che gli ha garantito uno stipendio.

Clouet dipinse diversi ritratti dei personaggi importanti del regno, compreso un bel ritratto del re Francesco I, ora alla Galleria degli Uffizi di Firenze, una miniatura del suo successore, il re Enrico II, quello di sua moglie, Catherine de 'Medici, dei loro figli François, duca d'Angiò e Carlo IX e della moglie, Elisabetta d'Austria; Dipinse anche Maria, Regina di Scozia e Margherita di Valois, e molti personaggi della corte e della famiglia reale.
E' considerato il capolavoro di Francois Clouet il ritratto di Elisabetta d'Austria, ma per la famiglia reale ha realizzato pezzi decorativi per le cerimonie di sepoltura, come le maschere mortuarie di Francesco I e per il figlio Enrico II.

I lavori del pittore sono eccezionali nella loro esattezza e precisione, utilizzando un equilibrio perfetto fra colori tenui e uno stile rigoroso nella forma.
La firma sul ritratto di Diane de Poitiers, costituisce una stranezza, come i colori vivaci utilizzati da Francois Clouet che muore a Parigi il 22 Dicembre, 1572.

Lorenzo Monaco

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Il pittore gotico Lorenzo Monaco, nome originale Piero Di Giovanni, nasce a Siena intorno al 1370.
Oltre che a dedicarsi alla pittura, Lorenzo Monaco è anche un abile miniaturista.
Si forma a Siena sulle opere di Simone Martini e dei Lorenzetti; a Firenze risente invece l'arte di A. Gaddi e Spinello Aretino.
Protagonista del passaggio dalla tradizione giottesca al Rinascimento, la sua arte è un esempio classico dello stile gotico internazionale unito al flusso aggraziato della linea e al sentimento decorativo tipico della scuola senese di tradizione fiorentina che ha subito gli influssi di Giotto.

Nel 1391 Lorenzo Monaco prende i voti dell' ordine camaldolese e si trasferisce presso il Monastero di Santa Maria degli Angeli, a Firenze. A questo periodo risalgono alcune miniature, gli affreschi, purtroppo danneggiati, nel convento delle oblate e nell'ospedale di S. Maria Nuova, la Pietà all'Accademia di Firenze.

Raggiunge il grado di diacono, ma nel 1402 è iscritto nella corporazione dei pittori sotto il suo nome laico, Piero di Giovanni (Lorenzo Monaco significa appunto: il Monaco Lorenzo) e vive al di fuori del monastero.

Il suo grande polittico "Madonna con Bambino" (1406-1410, Uffizi, Firenze) e la "Incoronazione della Vergine" (1413, Uffizi, Firenze) riflettono in pieno il suo stile, colori chiari, uso di toni biondi, utlizzo sapiente della luce e la sua predilezione per tendaggi che danno ritmo alla scena con forme curvilinee e vorticose.
L'amore per la composizione decorativa e l'uso espressivo della linea sono evidenti soprattutto nei piccoli frammenti della sua predella presso l'Accademia di Firenze, che raffigurano la "Natività", la "Vita di un eremita" e un "Paesaggio marino in tempesta".

Durante gli ultimi anni della sua vita, Lorenzo Monaco è influenzato dal naturalismo di Lorenzo Ghiberti, come si può vedere nei suoi affreschi della "Vita della Vergine" e nella "Pala dell' Annunciazione" (1420-1424, entrambi nella Cappella Bartolini, Santa Trinità, Firenze).
Le opere di Lorenzo Monaco sono in completo contrasto con il suo grande rivale contemporaneo Masaccio e rappresentano la più alta realizzazione dello splendore dell' ultima arte gotica a Firenze.

Lorenzo Monaco muore a Firenze nel 1425.

Secondo quanto riportato dal Vasari, all' età di cinquantacinque anni, "infermatosi d'una postema crudele che lo tenne oppresso molti mesi" e fu sepolto nella sala capitolare del Convento di Santa Maria degli Angeli: un privilegio riservato allora ad alti personaggi del clero, oppure a monaci facoltosi.7muse

Sebastiano del Piombo


Sebastiano del Piombo. - Nome con cui è noto il pittore Sebastiano Luciani (Venezia 1485 circa - Roma 1547). Sussiste qualche incertezza, nella storia critica, sulla prima attività di S., coinvolta nella complessa questione dell'attività e dell'influenza di Giorgione a Venezia nel primo decennio del Cinquecento. A parte alcune opere giovanili attribuite in modo non sempre concorde (Sacra famiglia con santi e donatore, Louvre) e un suo probabile intervento, affermato da M. A. Michiel, nei Tre filosofi di Giorgione (Vienna, Kunsthistorisches Museum), le opere dipinte da S. a Venezia tra il 1506 e il 1511, di pubblica destinazione (Giudizio di Salomone, Kingston Lacy, National Trust; pala di S. Giovanni Crisostomo, Venezia; portelle d'organo con quattro Santi, Venezia, S. Bartolomeo a Rialto), fanno supporre tuttavia un suo ruolo di importanza maggiore di quanto non gli sia stato riconosciuto in passato. Tali opere mostrano, oltre a un influsso di Giorgione nei tipi fisici e nella morbidezza dei contorni, l'influenza dell'opera tarda di G. Bellini e un'impostazione monumentale, sottolineata anche dall'ambientazione architettonica, che sarà sempre più sviluppata dall'artista a contatto con l'ambiente romano. Agli ultimi anni veneziani appartengono inoltre la Morte di Adone (Uffizi) e Salomè (Londra, National Gallery). Nel 1511 S. andò a Roma, su invito di Agostino Chigi, per decorare una sala della sua villa suburbana sul Tevere, poi chiamata Farnesina. Qui eseguì il Polifemo e lunette con soggetti mitologici; gli affreschi, eseguiti con qualche incertezza tecnica, sono caratterizzati da un colore brillante e da un dinamismo compositivo che si pone in contrasto con la scansione architettonica della parete. L'incontro con l'opera di Raffaello, attivo nella stessa sala, che si evidenzia soprattutto in alcuni ritratti (La fornarina, Uffizi; Dorotea, Berlino, Gemäldegalerie; Cardinal Ciocchi del Monte, Dublino, National Gallery of Ireland) doveva presto cedere a un netto accostamento all'arte di Michelangelo. La protezione e l'amicizia del maestro procurò a S. importanti committenze, oltre a onori e cariche presso la corte pontificia. Già nella Deposizione (1516, San Pietroburgo, Ermitage) è evidente l'influsso di Michelangelo, che giunse a fornire all'amico disegni preparatorî per varie opere come la Pietà (1516, Viterbo, Museo Civico), la decorazione della cappella Borgherini in S. Pietro in Montorio (1516-24), la Resurrezione di Lazzaro (1517-19, Londra, National Gallery), dipinto su commissione del cardinal Giulio de' Medici in competizione con la Trasfigurazione di Raffaello. La collaborazione con Michelangelo accentuò la tendenza di S. verso la monumentalità compositiva e il plasticismo delle figure, che si unisce al caldo colore veneto. Tali caratteri informano anche gli straordinarî ritratti di eminenti personaggi, settore importante della sua attività (Clemente VII, Napoli, Museo nazionale di Capodimonte; Andrea Doria, Roma, galleria Doria Pamphili) o le varie immagini di Cristo portacroce (Prado, Ermitage, ecc.). Tra i dipinti religiosi, la Flagellazione (1525, Viterbo, Museo Civico), o la pala della cappella Chigi in S. Maria del Popolo (1532). Dopo la morte di Raffaello, S. fu una delle personalità di maggior rilievo a Roma; dopo il sacco del 1527, e dopo aver assunto la prestigiosa carica di piombatore pontificio (1531), dalla quale derivò il soprannome, rallentò sensibilmente, pur senza interromperla, la propria attività artistica. Treccani on line



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